TEMA 7
EL BARROCO MUSICAL, LA MUSICA VOCAL.
1--INTRODUCCION.
.-(1600-1750) tienen que ser consideradas como un marco de referencia.
.-Crisis general y profunda que abarco lo religioso, lo politico, lo economico y lo artistico.
.-El problema de la reforma protestante y el Concilio de Trento, cambio en la espiritualidad y la religiosidad, y en su representacion artistica e intelectual.
.-Aumento la poblacion y no los recursos, desigualdades sociales, hambrunas y pestes.
.-Rompia con las normas clasicas preestablecidas, recargado, pintoresco y deforme. Se empezo a utilizar el termino barroco.
.-Este estilo entro en crisis y se transformo (conceptismo y culteranismo).
2--EL BARROCO COMO ESTILO MUSICAL.
.-Musica confusa, cargada de modulaciones y dificil de entonar, estetica dinamica, activa, buscadora de contrastes.
.-Textura: Melodia acompañada, soporte definido, el bajo y un relleno intermedio que no se escribe y que interpreta un clave o un organo.
*bajo cifrado: el interprete completa la armonia de todas las voces, la del instrumento o la del solista.
.-Organizacion sonora: En un afan de simplificar se convirtieron en dos, modo Mayor y Modo menor.
.-Contrastes: De dinamica, de tempos y de texturas. La estructura musical se perfecciono para poder reflejar todos estos matices que trataban de enriquecer el resultado sonoro final, la dinamica tardo unos años en escribirse aunque se hacian. Los compositores se aferraron al intento de representar en musica lo que el texto trataba de reflejar con palabras, NACIMIENTO DE LA OPERA.
2.1--CAMERATA FLORENTINA.
.-Tambien llamada camerata BARDI. Es un grupo de humanistas, musicos, intelectuales, y poetas que unidos bajo el patrocinio de GIOVANNI de BARDI se unian en los años 70 y 80 del siglo XVI para discutir y guiar las tendencias en las artes y en especial el drama y la musica. Creian que la musica se habia corrompido y que un retorno al estilo de la antigua grecia hara mejor el arte de la musica y con el, toda la sociedad.
3--LAS FASES DE LA MUSICA BARROCA.
.-Barroco primero: Monteverdi (1580-1630).
*textura: musica muy experimental, melodia acompañada.
*melodia: recitativos afectivos con ritmo libre, se debe entender las letras, necesidad de disonancia.
*armonia: caracter pretonal y experimental.
*diferenciacion entre los idiomas vocal e instrumental.
.-Barroco medio: Monteverdi y Rameau (1630-1680).
*textura contrapuntistica.
*melodia: creacion del estilo bel canto aplicado a la cantata y a la opera.
*armonia, los modos se redujeron a mayor y menor.
*misma importancia en musica voca e instrumental.
.-Barroco tardio: Bach, Handel y Vivaldi (1680-1750).
*textura contrapuntistica.
*melodia: disonancia.
*armonia: tonalidad plenamente establecida.
*la musica instrumental domina a la vocal.
4--EL NACIMIENTO DE LA OPERA.
.-Elementos que hacian surgir a la opera.
*introduccion del bajo continuo.
*recitativo,la linea melodica es muy limitada, con ritmos poco marcados, muy similar al habla.
*sustitucion por la melodia acompañada.
.-Familia de los Bardi, camerata florentina (tragedia clasica), tradicionalmente se divide la historia de la opera barroca italiana en cuatro periodos.
*la opera florentina-mantuana: (comienzos del XVII) Orfeo de Peri y Caccini (incompuesta) de 1600, Orfeo de monteverdi, tematica mitologica, se alterna el recitativo con coros en estilo Madrigalesco.
*la opera veneciana (para prestigiarse): maestro de capilla de San Marcos de venecia, compone en la ultima etapa de su vida para los primeros teatros publicos. La opera mas importante es La coronacion de Popeo, mezcla la esencia del recitativo con el aria, creando un hibrido muy interesante y no conocido hasta entonces,
*la opera romana: el estilo melodico siguio avanzando, es mas espectacular, dando mayor importancia a los aspectos escenicos y de atrezzo (Luigi rossi).
.-Partes de una opera:
*obertura: parte instrumental que se representa al comienzo y normalmente a telon bajado. Al principio es independiente del resto y evolucionara para relacionarse con la opera tematicamente y en caracter.
*aria: parte en la que el cantante realiza una melodia expresiva acompañada de la orquesta, son partes emocionales donde los personajes expresan un sentimiento.
*coro: acompañado de la orquesta.
5--LA OPERA EN EL RESTO DE EUROPA.
5.1--INGLATERRA.
.-Primera mitad del XVII florecion un genero de entretenimiento aristocratico llamado masque, que se caracteriza por la alternancia de danzas, numeros instrumentales y canciones de diversos tipos. Debemos destacar la composicion de Dido y Eneas de Henry Purcell, una opera de trama mitologica, sobre un texto de virgilio y estilo similar. Dominio de Bell Canto.
5.2--FRANCIA.
.-Primera mitad del XVIII, la opera italiana habia sido aceptada en casi todos los paises de europa occidental salvo en francia. Las caracteristicas de la opera francesa se debian a dos poderosas tradiciones de la cultura nacional (ballet y la tragedia francesa clasica). Jean baptiste lully (tragedia lirica) para enseñar la grandeza de la corte y del pais.
5.2.1--El ballet de cour.
.-El ballet cortesano: finales del siglo XVI, comprende poesia, musica vocal e instrumential, coreografia y escenografia. Bailadopor los miembros de la familia real, los cortesanos y algunos bailarines profesionales, el ballet cortesano esta constituido poe una serie de intermedios en el curso los cuales los interpretes van bailanco por turnos (individuales). Lo convirtio en propaganda politica con la ayuda de richeleu y dio paso al nacimiento de la opera-ballet y la comedia-ballet.
5.3--ESPAÑA
.-La tradicion teatral edtuvo siempre muy ligada a la musica, en los entreactos se introducian numeros musicales, bailes, etc... Juan Hidalgo: La selva del amor, La purpura de la Rosa o Celos aun del aire matan.
7--LA CANTATA
.-como una opera u oratorio pero de menos tamaño (como la sonata), pero esta estaba destinada para ser sonada y la cantata para ser hablada. En contraposicion a la sonata, sucesion de recitativos, arias, duos y coros, solia componerse de voz solista acompañada de un bajo continuo. El fenomeno se extendio al resto de paises de europa que pusieron a la musica textos en sus propios idiomas.
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TEMA 8
EL BARROCO MUSICAL- LA MUSICA INSTRUMENTAL
1--INTRODUCCION
.-El periodo barroco es destacado por la eclosion del genero de la musica instrumental.
.-Instrumentos: Luthiers, destacan las familias italianas de los amati, stradivari y guarneri, quienes hicieron famosos sus instrumentos de cuerda en toda europa, algunos compiten entre los mejores en la actualidad. Los instrumentos de tecla progresaron (clavecin y clavicenbalo) aumentando la sonoridad y mejorandola, el clavicordio produce mas intensidades sonoras
2--ITALIA. EL APOGEO DE LA MUSICA ORQUESTAL, EL CONCERTO.
.-Estructura formal basada en el contraste de secciones musicales aplicado a la musica instrumental, composiciones para conjuntos instrumentales de numero y composicion variable, que se alternaban para formar un juego de contrastes timbricos y dinamicos que so la base del estilo musical barroco (estilo concertato). Division en varias partes llamadas movimientos. La textura suele ser homofonica porque al haber un bajo continuo hace que la homofonia funcione como monodia.
.-Concerto grosso: Enesta forma musical hay un pequeño grupo de solistas llamado concertino que se enfrenta a una orquesta mas amplica (tutti) formadda por instrumentos de cuerda (Arcangelo Corelli), Conciertos de Brandemburgo de Bach.
.-Concerto ripieno: composiciones para ripieno solo (tutti o orquesta), Torelli y albinoni.
.-concerto a solo: ultimo tipo que aparecio y el que mas duro, ya que paso al siguiente periodo, el solista puede ser cualquier instrumento, pero el violin destaco durante todo el barroco. Vivaldi fue el mas importante componiendo mas de 425 conciertos para solista. Las cuatro estaciones.
*forma ritornello; melodia inicial expuesta por toda la orquesta al comienzo, repetida varias veces intercalandose con el solista en partes libres.
3--LA SUITE.
.-Forma musical instrumental, compuesta por danzas independientes, se origina en la edad media donde se hacian emparejandolas de dos en dos.
*allemanda: danza moderada de compas cuaternario, comienzo anacrusico y cuya figura es la semicorchea, de alemania.
*courante: danza rapida, compas 3/2, 6/4, 3/4, de francia.
*zarabanda: lenta, ternaria, 3/4, de españa y es una danza obscena.
*giga: danza inglesa o escocesa, rapida.
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CONCEPTOS
Melodía acompañada: procedente del griego “monos” que significa “uno” y “ode” que
significa “oda, canto”. Es un tipo de textura musical que consiste en una línea melódica
melodía que destaca claramente sobre un acompañamiento. Fue muy característica en
los comienzos de la ópera al oponerse claramente a la polifonía dominante en aquel
momento y se convirtió en la textura característica aunque no exclusiva del Barroco.
Posteriormente ha sido muy ampliamente utilizada en gran variedad de estilos siendo
muy predominante en la música “pop” actual
Ópera: obra escénica con acompañamiento instrumental en la que el canto es el
vehículo principal para retratar la acción dramática y las emociones de los personajes.
Sus antecedentes se encuentran en el drama litúrgico y el drama pastoril medieval
pero su origen propiamente dicho se encuentra a finales del S XVI íntimamente
relacionado con el ambiente cultural e intelectual de esa época particularmente en
Florencia. Es el género musical que más pasiones ha despertado y considerado por
algunos el más completo ya que aúna música, drama, poesía, artes visuales y, en
ocasiones, danza.
Aria: Canción autónoma para voz sola, que por lo general forma parte de una ópera u
otra obra grande. El término comienza a usarse a principios del siglo XVII en Italia.
Como parte integrante de la ópera a mediados hacia 1650 solía tener unas dos estrofas
y la forma ABA o “aria da capo” será la más habitual hasta 1750. Es generalmente el
momento de lucimiento del cantante solista dentro de la ópera y llegó a ser tan
apreciada por el público que hacia principios del siglo XVIII las óperas eran una serie de
arias (hasta 40) seguidas llegando a desfigurar el carácter dramático y narrativo de la
ópera. Con la reforma de Gluck el aria vuelve a su origen de melodía expresiva,
despojada de ornamentos innecesarios con un acompañamiento sencillo de la
orquesta.
Recitativo: Forma de canto solista discursivo con ritmo libre y carente de melodías
estructuradas. Se inventó en Italia poco antes de 1600 como una manera de ajustar la
música lo más posible al texto. Ante la falta de un pulso estricto, el bajo continuo o
bajo cifrado fue el recurso para que el acompañamiento pudiera seguir la expresividad
espontánea del cantante. Es una de las partes que integran una ópera, siendo
habitualmente utilizado para hacer avanzar la acción de forma más rápida que otras
partes como el aria o para narrar un pasaje (como en los oratorios).
Obertura: Pieza de música instrumental compuesta como introducción de una ópera,
oratorio, ballet o cualquier otra obra dramática, o bien como pieza independiente de
concierto. En el periodo barroco el título “Ouvertüre” se empleaba en ocasiones para
una suite para teclado o para orquesta (Bach), o bien para su movimiento inicial. Como
obertura de ópera las primeras no tenían obertura como tal o eran unas simples
fanfarrias para captar la atención. Con el tiempo fue adoptando formas más complejas
y adquiriendo una relación musical con el drama que vendría a continuación.
Ópera-ballet: género lírico propio del siglo XVIII francés. La ópera-ballet, es un puro
divertimento. Puede componerse de un prólogo (facultativo) y de varios actos (o
entrées) en los que las intrigas, generalmente simplificadas, y los sentimientos
amorosos son independientes los unos de los otros, pero unidos por un tema común.
Un lugar preponderante lo ocupan los intermedios danzados cuyo pretexto se ve
reforzado por la acción. Basado en el ballet cortesano, la ópera-ballet se distingue de la
tragedia lírica porque reduce al máximo la acción cantada a favor de la danza. Una de
las primeras óperas-ballet fue compuesta por André Campra: La Europa galante (1689).
Ballet de cour: es un género de ballet cuyo nacimiento se sitúa a finales del siglo XVI
en la corte de Francia y que comprende poesía, música vocal e instrumental,
coreografía y escenografía. Bailado por los miembros de la familia real, los cortesanos,
y algunos bailarines profesionales, el ballet cortesano está constituido por una serie de
intermedios (entrées) en el curso de los cuales los intérpretes van bailando por turno.
La última «entrée» es interpretada por todo el conjunto de los bailarines.
Concerto: En general un concerto se considera una pieza para uno o más solistas y
orquesta. Concerto deriva probablemente del latín concertare, que puede significar
“discutir” o “trabajar en común”; en italiano la misma palabra significa “acordar” o
“conjuntar”. Estos conceptos duales de competencia y colaboración han sustentado el
género desde su historia más antigua, aunque en diferentes periodos el énfasis ha
cambiado de uno al otro. La forma más habitual del concerto son tres movimientos en
los que los extremos son rápidos y el central lento.
Suite: Género instrumental que consiste en una sucesión de movimientos
relativamente cortos y congruentes entre sí. Como la forma instrumental más
importante del periodo barroco, los movimientos de suite se basaron en diferentes
tipos de danzas estilizadas por lo general en la misma tonalidad y en ocasiones
relacionadas temáticamente.
Cantata: Literalmente, pieza para ser cantada, en oposición a “sonata”, pieza
instrumental para ser tocada. El término se aplica a una variedad de géneros, pero con
más frecuencia a obras para una voz sola con acompañamiento instrumental y a
menudo de carácter casi dramático. Formalmente es muy parecida a la ópera
contando con obertura, coros, arias, recitativos y en ocasiones piezas instrumentales.
Su temática puede ser religiosa o profana aunque es en la cantata religiosa y en la
figura del compositor alemán J.S. Bach donde la cantata alcanzó probablemente su
máximo esplendor.
Oratorio: obra sacra de grandes dimensiones para voces solistas, coro y orquesta, no
destinada a la liturgia ni al teatro sino a la interpretación en concierto. Tiene su origen
en el siglo XVI en el “oratorio” de San Felipe Neri y en las representaciones sobre
temas religiosos que se realizaban en el Colegio Germánico de Roma. Uno de los
pimeros es “Rappresentatione di Anima, et di Corpo” (1600) con música de Cavalieri. A
mediados del siglo XVII es una forma muy popular en Roma y alcanza probablemente
su máximo esplendor al final del periodo Barroco con Haendel.
Fuga: Literalmente significa “huida” o “escape”. En música, el término se refiere a una
composición en la que tres o más voces (muy raramente sólo dos) hacen entradas
sucesivas en imitación, como una especie de “persecución” entre las voces. Más que
una forma fija, la fuga es un estilo de composición. Todas las fugas tienen aspectos en
común y existe una terminología universal para describir la intervención de las voces
individuales, las partes y los recursos técnicos específicos de la fuga.
El tema principal se denomina “sujeto” y es expuesto por la voz que entra primero.
Una vez presentado el tema completo, la segunda voz entra con el sujeto transpuesto
a la dominante; esta entrada en la dominante se denomina “respuesta”. La tercera voz
entra con el sujeto original pero en una octava distinta, y así sucesivamente. Esta
sección inicial de la fuga se denomina “exposición” y concluye una vez que todas las
voces han presentado el sujeto y la respuesta.
Después de esta sección las fugas intercalan secciones en las que utilizan material
temático que ha aparecido en la exposición y secciones en las que utiliza un material
temático nuevo independiente de los elementos que aparecieron en la exposición.
Bajo continuo: es una técnica de composición y ejecución propia y esencial del período
barroco, que por ello suele ser denominado época del bajo continuo. Al emplear esta
técnica, el compositor crea la voz de bajo pero no especifica el contrapunto o los
acordes del ripieno, que deja a cargo del o los intérpretes. El bajo continuo puede
contener ‘‘cifras‘‘ para guiar al ejecutante, origen del término bajo cifrado.
El bajo continuo es ejecutado por uno o varios instrumentos, típicamente un
instrumento armónico (es decir, capaz de producir acordes o polifonía) como los
instrumentos de teclado (clavecín, órgano) u otros como el arpa y el laúd, con la voz de
bajo simultáneamente a cargo de un instrumento de tesitura grave como el
violoncello, fagot la viola da gamba, contrabajo y en algunas ocasiones contrafagot.
Violín: Instrumento musical de cuerda y arco formado por una caja de resonancia que
se estrecha en el centro de ambos lados y con dos aberturas en forma similar a una f, y
por un mástil corto con cuatro cuerdas; se toca colocando el instrumento entre el
mentón y el hombro y frotando las cuerdas con un arco al mismo tiempo que se pulsan
con la otra mano. Los violines más conocidos son los construidos en los siglos XVII y
XVIII por las familias italianas Stradivarius y Guarnieri de la ciudad italiana de Cremona
Monteverdi: (Cremona, 15 de mayo de 1567-Venecia, 29 de noviembre de 1643) fue
un compositor, gambista y cantante italiano. Marcó la transición entre la tradición
polifónica y madrigalista del siglo XVI y el nacimiento del drama lírico y de la ópera en
el siglo XVII. Es la figura más importante en la transición entre la música del
Renacimiento y del Barroco.
Inició sus estudios de música con Marco Antonio Ingegnieri, maestro de capilla de la
Catedral de Cremona, y a los 15 años publicó sus primeras obras. Entre 1587 y 1638
publicó ocho colecciones de madrigales, en los que muestra su dominio de la técnica
madrigalista. Combina las escrituras homofónica y contrapuntística, donde utiliza
libremente armonías y disonancias. En 1599 se casó con Claudia de Cataneis, que
murió en 1607 y en ese mismo año se estrenó Orfeo, favola in musica, su primer
drama musical, considerado la primera ópera de la historia, como la entendemos hoy
día. Su siguiente ópera Arianna (1608), cuya música se ha perdido, excepto el famoso
"Lamento", consolidó su fama.
En 1613 fue maestro de coro y director de la catedral de San Marcos de Venecia,
ciudad en la que compuso la mayoría de su obra sacra. Para inaugurar el primer teatro
de esta ciudad, compuso más óperas. En su música religiosa utilizó gran variedad de
estilos, que iban desde la polifonía de su Misa de 1610 a la música vocal operística de
gran virtuosismo y las composiciones corales antifonales de sus Vísperas de la beata
Virgen, también de 1610, tal vez su obra hoy más famosa. La obra Selva morale e
spirituale, publicada en 1640, es un enorme compendio de música sacra. En 1637
compuso una nueva serie de óperas, de las cuales sólo conocemos Il ritorno d'Ulisse in
patria (1641) y L'incoronazione di Poppea (1642).
Lully: (Florencia, 1632-París, 1687) Compositor francés de origen italiano. Discípulo de
Carissimi, fue llevado a París por el Caballero de Guisa en 1646. Pronto destacó como
violinista y bailarín y entró al servicio de Luis XIV, de quien fue compositor de danza
desde 1653. A partir de entonces compuso los ballets de la corte en los que solían
intervenir tanto el monarca como él mismo. También trabajó en la composición de
intermedios escénicos para las obras de Molière, Corneille y Racine. Compró el
monopolio para la representación de óperas en lengua francesa y supo aprovechar los
privilegios reales y amasar una inmensa fortuna. Su obra, especialmente su ópera,
introdujo sustanciales innovaciones: abandonó el recitativo secco en favor del
acompañado, procuró la acentuación adecuada del texto a través de la música, utilizó
en sus ballets danzas más rápidas de las que estaban entonces en boga y fijó la forma
de la obertura francesa -de gran influencia en Alemania- a base de un movimiento
lento repetido, seguido de uno rápido. Entre sus óperas destacan Cadmo y
Hermione (1672), Alcestes (1674), Isis (1679), Perseo(1683) y, sobre
todo, Armida (1686).
Vivaldi: Compositor y violinista italiano, el más influyente de su época. Nació el 4 de
marzo de 1678 en Venecia, estudió con su padre, violinista en la catedral de San
Marcos. Se ordenó sacerdote en 1703, lo llamaban il prete rosso (el cura pelirrojo), y
comenzó a enseñar en el Ospedale della Pietá que era un conservatorio para niñas
huérfanas. Trabajó allí como director musical hasta 1740, como profesor y componía
conciertos y oratorios para los conciertos semanales a través de los que consiguió una
fama internacional. A partir de 1713 Vivaldi también trabajó como compositor y
empresario de óperas en Venecia y viajaba a Roma, Mantua y otras ciudades para
supervisar las representaciones de sus óperas. Hacia 1740 entró al servicio de la corte
del emperador Carlos VI en Viena. Falleció en esta ciudad el 28 de julio de 1741.
Vivaldi escribió más de 500 conciertos y 70 sonatas, 45 óperas, música religiosa como
el oratorio Juditha triumphans (1716), el Gloria en re (1708), misas y motetes. Sus
sonatas instrumentales son más conservadoras que sus conciertos y su música
religiosa a menudo refleja el estilo operístico de la época y la alternancia de orquesta y
solistas que ayudó a introducir en los conciertos. Johann Sebastian Bach,
contemporáneo suyo, aunque algo más joven, estudió la obra de Vivaldi en sus años de
formación y de algunos de los conciertos para violín y sonatas de Vivaldi sólo existen
las transcripciones (en su mayor parte para clavecín) de Bach.
Bach: (Eisenach, Turingia, 1685, – Leipzig, 1750) fue un compositor, organista,
clavecinista, violinista, violista, maestro de capilla y cantor alemán de música del
Barroco, el miembro más importante de una de las familias de músicos más destacadas
de la historia, con más de 35 compositores famosos y muchos intérpretes destacados.
Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda Europa
por su gran técnica y capacidad de improvisar música al teclado.1 Aparte del órgano y
del clavecín, también tocaba el violín y la viola de gamba.
Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca; destaca en ella
su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, además de la
síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su
incomparable extensión. Bach es considerado el último gran maestro del arte del
contrapunto, donde es la fuente de inspiración e influencia para posteriores
compositores y músicos desde Wolfgang Amadeus Mozart pasando por Arnold
Schönberg, hasta nuestros días.
Sus obras más importantes están entre las más destacadas de la música clásica
europea y de la música universal. Entre ellas se encuentran los Conciertos de
Brandeburgo, El clave bien temperado, la Misa en si menor, la Pasión según san
Mateo, El arte de la fuga, Ofrenda musical, las Variaciones Goldberg, la Tocata y fuga
en re menor, varios ciclos de cantatas, el Concierto italiano, la Obertura francesa, las
Suites para violonchelo solo, las Sonatas y partitas para violín solo y las Suites para
orquesta.
Haendel: (Halle, Alemania, 1685 – Londres, 1759) fue un compositor alemán,
posteriormente nacionalizado británico, considerado una de las cumbres del Barroco y
uno de los más influyentes compositores de la música occidental y universal. En la
historia de la música, es el primer compositor moderno en haber adaptado y enfocado
su música para satisfacer los gustos y necesidades del público, en vez de los de la
nobleza y de los mecenas, como era habitual.
Considerado el sucesor y continuador de Henry Purcell, marcó toda una era en la
música inglesa siendo el compositor más importante entre Purcell y Elgar en Inglaterra.
Es el primer gran maestro de la música basada en la técnica de la homofonía y el más
grande dentro del ámbito de los géneros de la ópera seria italiana y el oratorio.
Su inmenso legado musical, síntesis de los estilos alemán, italiano, francés e inglés de
la primera mitad del siglo XVIII, incluye obras en prácticamente todos los géneros de su
época, donde 43 óperas como “Julio César en Egipto”, 26 oratorios como “El mesías” y
un legado coral son lo más sobresaliente e importante de su producción musical.
Domenico Scarlatti: (Nápoles, 1685 - Madrid, 1757) Compositor, clavecinista y
pedagogo italiano. Nacido el mismo año que J. S. Bach y G. F. Haendel, ocupa en la
historia de la música una posición intermedia entre el gran estilo contrapuntístico
barroco y el espíritu más sencillo y ligero del posterior período galante, del que se le
puede considerar precursor, sobre todo por sus más de quinientas sonatas para clave.
Hijo de Alessandro Scarlatti, los primeros pasos de Domenico en el mundo de la música
estuvieron guiados por el ejemplo de su progenitor; en este contexto cabe situar su
temprana dedicación a la ópera, género en el que su padre había conquistado una
merecida fama. En 1719 recaló en Lisboa, donde entró al servicio de la infanta María
Bárbara de Braganza como maestro de clave. El matrimonio de ésta en 1728 con el
príncipe heredero español Fernando llevó al compositor a Madrid, ciudad en la cual
permaneció hasta su muerte, dedicado preferentemente a la docencia (entre sus
discípulos se cuenta Antonio Soler) y a la composición de sonatas para clave y música
sacra.
Pierre Beauchamp: (París, 30 de octubre de 1631 — París, febrero de 1705), fue un
coreógrafo y bailarín francés, probablemente el inventor de la notación Beauchamp-
Feuillet. Fue nombrado director de la «Académie Royale de Danse» en 1671 (aunque
no era un miembro fundador de la Academia como con frecuencia se afirma). Fue el
coreógrafo principal de la compañía de Molière (la «Troupe du Roy») durante 1664-73;
además fue maestro de ballet en la «Académie Royale de Musique» y «Compositeur
des Ballets du Roi». En estos puestos fue muy influyente y una de las más grandes
figuras de la «belle danse» francesa del siglo XVII, la danza barroca.
A la muerte de Lully (1687), trabajó esencialmente para los colegios de los Jesuitas.
Formó a numerosos bailarines, como Blondy, Favier y Pécour, y puso a punto un
sistema de escritura de la danza que su discípulo Feuillet publicará bajo su propio
nombre en 1
EL BARROCO MUSICAL, LA MUSICA VOCAL.
1--INTRODUCCION.
.-(1600-1750) tienen que ser consideradas como un marco de referencia.
.-Crisis general y profunda que abarco lo religioso, lo politico, lo economico y lo artistico.
.-El problema de la reforma protestante y el Concilio de Trento, cambio en la espiritualidad y la religiosidad, y en su representacion artistica e intelectual.
.-Aumento la poblacion y no los recursos, desigualdades sociales, hambrunas y pestes.
.-Rompia con las normas clasicas preestablecidas, recargado, pintoresco y deforme. Se empezo a utilizar el termino barroco.
.-Este estilo entro en crisis y se transformo (conceptismo y culteranismo).
2--EL BARROCO COMO ESTILO MUSICAL.
.-Musica confusa, cargada de modulaciones y dificil de entonar, estetica dinamica, activa, buscadora de contrastes.
.-Textura: Melodia acompañada, soporte definido, el bajo y un relleno intermedio que no se escribe y que interpreta un clave o un organo.
*bajo cifrado: el interprete completa la armonia de todas las voces, la del instrumento o la del solista.
.-Organizacion sonora: En un afan de simplificar se convirtieron en dos, modo Mayor y Modo menor.
.-Contrastes: De dinamica, de tempos y de texturas. La estructura musical se perfecciono para poder reflejar todos estos matices que trataban de enriquecer el resultado sonoro final, la dinamica tardo unos años en escribirse aunque se hacian. Los compositores se aferraron al intento de representar en musica lo que el texto trataba de reflejar con palabras, NACIMIENTO DE LA OPERA.
2.1--CAMERATA FLORENTINA.
.-Tambien llamada camerata BARDI. Es un grupo de humanistas, musicos, intelectuales, y poetas que unidos bajo el patrocinio de GIOVANNI de BARDI se unian en los años 70 y 80 del siglo XVI para discutir y guiar las tendencias en las artes y en especial el drama y la musica. Creian que la musica se habia corrompido y que un retorno al estilo de la antigua grecia hara mejor el arte de la musica y con el, toda la sociedad.
3--LAS FASES DE LA MUSICA BARROCA.
.-Barroco primero: Monteverdi (1580-1630).
*textura: mus
*melodia: recitativos afectivos con ritmo libre, se debe entender las letras, necesidad de disonancia.
*armonia: caracter pretonal y experimental.
*diferenciacion entre los idiomas vocal e instrumental.
.-Barroco medio: Monteverdi y Rameau (1630-1680).
*textura contrapuntistica.
*melodia: creacion del estilo bel canto aplicado a la cantata y a la opera.
*armonia, los modos se redujeron a mayor y menor.
*misma importancia en musica voca e instrumental.
.-Barroco tardio: Bach, Handel y Vivaldi (1680-1750).
*textura contrapuntistica.
*melodia: disonancia.
*armonia: tonalidad plenamente establecida.
*la musica instrumental domina a la vocal.
4--EL NACIMIENTO DE LA OPERA.
.-Elementos que hacian surgir a la opera.
*introduccion del bajo continuo.
*recitativo,la linea melodica es muy limitada, con ritmos poco marcados, muy similar al habla.
*sustitucion por la melodia acompañada.
.-Familia de los Bardi, camerata florentina (tragedia clasica), tradicionalmente se divide la historia de la opera barroca italiana en cuatro periodos.
*la opera florentina-mantuana: (comienzos del XVII) Orfeo de Peri y Caccini (incompuesta) de 1600, Orfeo de monteverdi, tematica mitologica, se alterna el recitativo con coros en estilo Madrigalesco.
*la opera veneciana (para prestigiarse): maestro de capilla de San Marcos de venecia, compone en la ultima etapa de su vida para los primeros teatros publicos. La opera mas importante es La coronacion de Popeo, mezcla la esencia del recitativo con el aria, creando un hibrido muy interesante y no conocido hasta entonces,
*la opera romana: el estilo melodico siguio avanzando, es mas espectacular, dando mayor importancia a los aspectos escenicos y de atrezzo (Luigi rossi).
.-Partes de una opera:
*obertura: parte instrumental que se representa al comienzo y normalmente a telon bajado. Al principio es independiente del resto y evolucionara para relacionarse con la opera tematicamente y en caracter.
*aria: parte en la que el cantante realiza una melodia expresiva acompañada de la orquesta, son partes emocionales donde los personajes expresan un sentimiento.
*coro: acompañado de la orquesta.
5--LA OPERA EN EL RESTO DE EUROPA.
5.1--INGLATERRA.
.-Primera mitad del XVII florecion un genero de entretenimiento aristocratico llamado masque, que se caracteriza por la alternancia de danzas, numeros instrumentales y canciones de diversos tipos. Debemos destacar la composicion de Dido y Eneas de Henry Purcell, una opera de trama mitologica, sobre un texto de virgilio y estilo similar. Dominio de Bell Canto.
5.2--FRANCIA.
.-Primera mitad del XVIII, la opera italiana habia sido aceptada en casi todos los paises de europa occidental salvo en francia. Las caracteristicas de la opera francesa se debian a dos poderosas tradiciones de la cultura nacional (ballet y la tragedia francesa clasica). Jean baptiste lully (tragedia lirica) para enseñar la grandeza de la corte y del pais.
5.2.1--El ballet de cour.
.-El ballet cortesano: finales del siglo XVI, comprende poesia, musica vocal e instrumential, coreografia y escenografia. Bailadopor los miembros de la familia real, los cortesanos y algunos bailarines profesionales, el ballet cortesano esta constituido poe una serie de intermedios en el curso los cuales los interpretes van bailanco por turnos (individuales). Lo convirtio en propaganda politica con la ayuda de richeleu y dio paso al nacimiento de la opera-ballet y la comedia-ballet.
5.3--ESPAÑA
.-La tradicion teatral edtuvo siempre muy ligada a la musica, en los entreactos se introducian numeros musicales, bailes, etc... Juan Hidalgo: La selva del amor, La purpura de la Rosa o Celos aun del aire matan.
7--LA CANTATA
.-como una opera u oratorio pero de menos tamaño (como la sonata), pero esta estaba destinada para ser sonada y la cantata para ser hablada. En contraposicion a la sonata, sucesion de recitativos, arias, duos y coros, solia componerse de voz solista acompañada de un bajo continuo. El fenomeno se extendio al resto de paises de europa que pusieron a la musica textos en sus propios idiomas.
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TEMA 8
EL BARROCO MUSICAL- LA MUSICA INSTRUMENTAL
1--INTRODUCCION
.-El periodo barroco es destacado por la eclosion del genero de la musica instrumental.
.-Instrumentos: Luthiers, destacan las familias italianas de los amati, stradivari y guarneri, quienes hicieron famosos sus instrumentos de cuerda en toda europa, algunos compiten entre los mejores en la actualidad. Los instrumentos de tecla progresaron (clavecin y clavicenbalo) aumentando la sonoridad y mejorandola, el clavicordio produce mas intensidades sonoras
2--ITALIA. EL APOGEO DE LA MUSICA ORQUESTAL, EL CONCERTO.
.-Estructura formal basada en el contraste de secciones musicales aplicado a la musica instrumental, composiciones para conjuntos instrumentales de numero y composicion variable, que se alternaban para formar un juego de contrastes timbricos y dinamicos que so la base del estilo musical barroco (estilo concertato). Division en varias partes llamadas movimientos. La textura suele ser homofonica porque al haber un bajo continuo hace que la homofonia funcione como monodia.
.-Concerto grosso: Enesta forma musical hay un pequeño grupo de solistas llamado concertino que se enfrenta a una orquesta mas amplica (tutti) formadda por instrumentos de cuerda (Arcangelo Corelli), Conciertos de Brandemburgo de Bach.
.-Concerto ripieno: composiciones para ripieno solo (tutti o orquesta), Torelli y albinoni.
.-concerto a solo: ultimo tipo que aparecio y el que mas duro, ya que paso al siguiente periodo, el solista puede ser cualquier instrumento, pero el violin destaco durante todo el barroco. Vivaldi fue el mas importante componiendo mas de 425 conciertos para solista. Las cuatro estaciones.
*forma ritornello; melodia inicial expuesta por toda la orquesta al comienzo, repetida varias veces intercalandose con el solista en partes libres.
3--LA SUITE.
.-Forma musical instrumental, compuesta por danzas independientes, se origina en la edad media donde se hacian emparejandolas de dos en dos.
*allemanda: danza moderada de compas cuaternario, comienzo anacrusico y cuya figura es la semicorchea, de alemania.
*courante: danza rapida, compas 3/2, 6/4, 3/4, de francia.
*zarabanda: lenta, ternaria, 3/4, de españa y es una danza obscena.
*giga: danza inglesa o escocesa, rapida.
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CONCEPTOS
Melodía acompañada: procedente del griego “monos” que significa “uno” y “ode” que
significa “oda, canto”. Es un tipo de textura musical que consiste en una línea melódica
melodía que destaca claramente sobre un acompañamiento. Fue muy característica en
los comienzos de la ópera al oponerse claramente a la polifonía dominante en aquel
momento y se convirtió en la textura característica aunque no exclusiva del Barroco.
Posteriormente ha sido muy ampliamente utilizada en gran variedad de estilos siendo
muy predominante en la música “pop” actual
Ópera: obra escénica con acompañamiento instrumental en la que el canto es el
vehículo principal para retratar la acción dramática y las emociones de los personajes.
Sus antecedentes se encuentran en el drama litúrgico y el drama pastoril medieval
pero su origen propiamente dicho se encuentra a finales del S XVI íntimamente
relacionado con el ambiente cultural e intelectual de esa época particularmente en
Florencia. Es el género musical que más pasiones ha despertado y considerado por
algunos el más completo ya que aúna música, drama, poesía, artes visuales y, en
ocasiones, danza.
Aria: Canción autónoma para voz sola, que por lo general forma parte de una ópera u
otra obra grande. El término comienza a usarse a principios del siglo XVII en Italia.
Como parte integrante de la ópera a mediados hacia 1650 solía tener unas dos estrofas
y la forma ABA o “aria da capo” será la más habitual hasta 1750. Es generalmente el
momento de lucimiento del cantante solista dentro de la ópera y llegó a ser tan
apreciada por el público que hacia principios del siglo XVIII las óperas eran una serie de
arias (hasta 40) seguidas llegando a desfigurar el carácter dramático y narrativo de la
ópera. Con la reforma de Gluck el aria vuelve a su origen de melodía expresiva,
despojada de ornamentos innecesarios con un acompañamiento sencillo de la
orquesta.
Recitativo: Forma de canto solista discursivo con ritmo libre y carente de melodías
estructuradas. Se inventó en Italia poco antes de 1600 como una manera de ajustar la
música lo más posible al texto. Ante la falta de un pulso estricto, el bajo continuo o
bajo cifrado fue el recurso para que el acompañamiento pudiera seguir la expresividad
espontánea del cantante. Es una de las partes que integran una ópera, siendo
habitualmente utilizado para hacer avanzar la acción de forma más rápida que otras
partes como el aria o para narrar un pasaje (como en los oratorios).
Obertura: Pieza de música instrumental compuesta como introducción de una ópera,
oratorio, ballet o cualquier otra obra dramática, o bien como pieza independiente de
concierto. En el periodo barroco el título “Ouvertüre” se empleaba en ocasiones para
una suite para teclado o para orquesta (Bach), o bien para su movimiento inicial. Como
obertura de ópera las primeras no tenían obertura como tal o eran unas simples
fanfarrias para captar la atención. Con el tiempo fue adoptando formas más complejas
y adquiriendo una relación musical con el drama que vendría a continuación.
Ópera-ballet: género lírico propio del siglo XVIII francés. La ópera-ballet, es un puro
divertimento. Puede componerse de un prólogo (facultativo) y de varios actos (o
entrées) en los que las intrigas, generalmente simplificadas, y los sentimientos
amorosos son independientes los unos de los otros, pero unidos por un tema común.
Un lugar preponderante lo ocupan los intermedios danzados cuyo pretexto se ve
reforzado por la acción. Basado en el ballet cortesano, la ópera-ballet se distingue de la
tragedia lírica porque reduce al máximo la acción cantada a favor de la danza. Una de
las primeras óperas-ballet fue compuesta por André Campra: La Europa galante (1689).
Ballet de cour: es un género de ballet cuyo nacimiento se sitúa a finales del siglo XVI
en la corte de Francia y que comprende poesía, música vocal e instrumental,
coreografía y escenografía. Bailado por los miembros de la familia real, los cortesanos,
y algunos bailarines profesionales, el ballet cortesano está constituido por una serie de
intermedios (entrées) en el curso de los cuales los intérpretes van bailando por turno.
La última «entrée» es interpretada por todo el conjunto de los bailarines.
Concerto: En general un concerto se considera una pieza para uno o más solistas y
orquesta. Concerto deriva probablemente del latín concertare, que puede significar
“discutir” o “trabajar en común”; en italiano la misma palabra significa “acordar” o
“conjuntar”. Estos conceptos duales de competencia y colaboración han sustentado el
género desde su historia más antigua, aunque en diferentes periodos el énfasis ha
cambiado de uno al otro. La forma más habitual del concerto son tres movimientos en
los que los extremos son rápidos y el central lento.
Suite: Género instrumental que consiste en una sucesión de movimientos
relativamente cortos y congruentes entre sí. Como la forma instrumental más
importante del periodo barroco, los movimientos de suite se basaron en diferentes
tipos de danzas estilizadas por lo general en la misma tonalidad y en ocasiones
relacionadas temáticamente.
Cantata: Literalmente, pieza para ser cantada, en oposición a “sonata”, pieza
instrumental para ser tocada. El término se aplica a una variedad de géneros, pero con
más frecuencia a obras para una voz sola con acompañamiento instrumental y a
menudo de carácter casi dramático. Formalmente es muy parecida a la ópera
contando con obertura, coros, arias, recitativos y en ocasiones piezas instrumentales.
Su temática puede ser religiosa o profana aunque es en la cantata religiosa y en la
figura del compositor alemán J.S. Bach donde la cantata alcanzó probablemente su
máximo esplendor.
Oratorio: obra sacra de grandes dimensiones para voces solistas, coro y orquesta, no
destinada a la liturgia ni al teatro sino a la interpretación en concierto. Tiene su origen
en el siglo XVI en el “oratorio” de San Felipe Neri y en las representaciones sobre
temas religiosos que se realizaban en el Colegio Germánico de Roma. Uno de los
pimeros es “Rappresentatione di Anima, et di Corpo” (1600) con música de Cavalieri. A
mediados del siglo XVII es una forma muy popular en Roma y alcanza probablemente
su máximo esplendor al final del periodo Barroco con Haendel.
Fuga: Literalmente significa “huida” o “escape”. En música, el término se refiere a una
composición en la que tres o más voces (muy raramente sólo dos) hacen entradas
sucesivas en imitación, como una especie de “persecución” entre las voces. Más que
una forma fija, la fuga es un estilo de composición. Todas las fugas tienen aspectos en
común y existe una terminología universal para describir la intervención de las voces
individuales, las partes y los recursos técnicos específicos de la fuga.
El tema principal se denomina “sujeto” y es expuesto por la voz que entra primero.
Una vez presentado el tema completo, la segunda voz entra con el sujeto transpuesto
a la dominante; esta entrada en la dominante se denomina “respuesta”. La tercera voz
entra con el sujeto original pero en una octava distinta, y así sucesivamente. Esta
sección inicial de la fuga se denomina “exposición” y concluye una vez que todas las
voces han presentado el sujeto y la respuesta.
Después de esta sección las fugas intercalan secciones en las que utilizan material
temático que ha aparecido en la exposición y secciones en las que utiliza un material
temático nuevo independiente de los elementos que aparecieron en la exposición.
Bajo continuo: es una técnica de composición y ejecución propia y esencial del período
barroco, que por ello suele ser denominado época del bajo continuo. Al emplear esta
técnica, el compositor crea la voz de bajo pero no especifica el contrapunto o los
acordes del ripieno, que deja a cargo del o los intérpretes. El bajo continuo puede
contener ‘‘cifras‘‘ para guiar al ejecutante, origen del término bajo cifrado.
El bajo continuo es ejecutado por uno o varios instrumentos, típicamente un
instrumento armónico (es decir, capaz de producir acordes o polifonía) como los
instrumentos de teclado (clavecín, órgano) u otros como el arpa y el laúd, con la voz de
bajo simultáneamente a cargo de un instrumento de tesitura grave como el
violoncello, fagot la viola da gamba, contrabajo y en algunas ocasiones contrafagot.
Violín: Instrumento musical de cuerda y arco formado por una caja de resonancia que
se estrecha en el centro de ambos lados y con dos aberturas en forma similar a una f, y
por un mástil corto con cuatro cuerdas; se toca colocando el instrumento entre el
mentón y el hombro y frotando las cuerdas con un arco al mismo tiempo que se pulsan
con la otra mano. Los violines más conocidos son los construidos en los siglos XVII y
XVIII por las familias italianas Stradivarius y Guarnieri de la ciudad italiana de Cremona
Monteverdi: (Cremona, 15 de mayo de 1567-Venecia, 29 de noviembre de 1643) fue
un compositor, gambista y cantante italiano. Marcó la transición entre la tradición
polifónica y madrigalista del siglo XVI y el nacimiento del drama lírico y de la ópera en
el siglo XVII. Es la figura más importante en la transición entre la música del
Renacimiento y del Barroco.
Inició sus estudios de música con Marco Antonio Ingegnieri, maestro de capilla de la
Catedral de Cremona, y a los 15 años publicó sus primeras obras. Entre 1587 y 1638
publicó ocho colecciones de madrigales, en los que muestra su dominio de la técnica
madrigalista. Combina las escrituras homofónica y contrapuntística, donde utiliza
libremente armonías y disonancias. En 1599 se casó con Claudia de Cataneis, que
murió en 1607 y en ese mismo año se estrenó Orfeo, favola in musica, su primer
drama musical, considerado la primera ópera de la historia, como la entendemos hoy
día. Su siguiente ópera Arianna (1608), cuya música se ha perdido, excepto el famoso
"Lamento", consolidó su fama.
En 1613 fue maestro de coro y director de la catedral de San Marcos de Venecia,
ciudad en la que compuso la mayoría de su obra sacra. Para inaugurar el primer teatro
de esta ciudad, compuso más óperas. En su música religiosa utilizó gran variedad de
estilos, que iban desde la polifonía de su Misa de 1610 a la música vocal operística de
gran virtuosismo y las composiciones corales antifonales de sus Vísperas de la beata
Virgen, también de 1610, tal vez su obra hoy más famosa. La obra Selva morale e
spirituale, publicada en 1640, es un enorme compendio de música sacra. En 1637
compuso una nueva serie de óperas, de las cuales sólo conocemos Il ritorno d'Ulisse in
patria (1641) y L'incoronazione di Poppea (1642).
Lully: (Florencia, 1632-París, 1687) Compositor francés de origen italiano. Discípulo de
Carissimi, fue llevado a París por el Caballero de Guisa en 1646. Pronto destacó como
violinista y bailarín y entró al servicio de Luis XIV, de quien fue compositor de danza
desde 1653. A partir de entonces compuso los ballets de la corte en los que solían
intervenir tanto el monarca como él mismo. También trabajó en la composición de
intermedios escénicos para las obras de Molière, Corneille y Racine. Compró el
monopolio para la representación de óperas en lengua francesa y supo aprovechar los
privilegios reales y amasar una inmensa fortuna. Su obra, especialmente su ópera,
introdujo sustanciales innovaciones: abandonó el recitativo secco en favor del
acompañado, procuró la acentuación adecuada del texto a través de la música, utilizó
en sus ballets danzas más rápidas de las que estaban entonces en boga y fijó la forma
de la obertura francesa -de gran influencia en Alemania- a base de un movimiento
lento repetido, seguido de uno rápido. Entre sus óperas destacan Cadmo y
Hermione (1672), Alcestes (1674), Isis (1679), Perseo(1683) y, sobre
todo, Armida (1686).
Vivaldi: Compositor y violinista italiano, el más influyente de su época. Nació el 4 de
marzo de 1678 en Venecia, estudió con su padre, violinista en la catedral de San
Marcos. Se ordenó sacerdote en 1703, lo llamaban il prete rosso (el cura pelirrojo), y
comenzó a enseñar en el Ospedale della Pietá que era un conservatorio para niñas
huérfanas. Trabajó allí como director musical hasta 1740, como profesor y componía
conciertos y oratorios para los conciertos semanales a través de los que consiguió una
fama internacional. A partir de 1713 Vivaldi también trabajó como compositor y
empresario de óperas en Venecia y viajaba a Roma, Mantua y otras ciudades para
supervisar las representaciones de sus óperas. Hacia 1740 entró al servicio de la corte
del emperador Carlos VI en Viena. Falleció en esta ciudad el 28 de julio de 1741.
Vivaldi escribió más de 500 conciertos y 70 sonatas, 45 óperas, música religiosa como
el oratorio Juditha triumphans (1716), el Gloria en re (1708), misas y motetes. Sus
sonatas instrumentales son más conservadoras que sus conciertos y su música
religiosa a menudo refleja el estilo operístico de la época y la alternancia de orquesta y
solistas que ayudó a introducir en los conciertos. Johann Sebastian Bach,
contemporáneo suyo, aunque algo más joven, estudió la obra de Vivaldi en sus años de
formación y de algunos de los conciertos para violín y sonatas de Vivaldi sólo existen
las transcripciones (en su mayor parte para clavecín) de Bach.
Bach: (Eisenach, Turingia, 1685, – Leipzig, 1750) fue un compositor, organista,
clavecinista, violinista, violista, maestro de capilla y cantor alemán de música del
Barroco, el miembro más importante de una de las familias de músicos más destacadas
de la historia, con más de 35 compositores famosos y muchos intérpretes destacados.
Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda Europa
por su gran técnica y capacidad de improvisar música al teclado.1 Aparte del órgano y
del clavecín, también tocaba el violín y la viola de gamba.
Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca; destaca en ella
su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, además de la
síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su
incomparable extensión. Bach es considerado el último gran maestro del arte del
contrapunto, donde es la fuente de inspiración e influencia para posteriores
compositores y músicos desde Wolfgang Amadeus Mozart pasando por Arnold
Schönberg, hasta nuestros días.
Sus obras más importantes están entre las más destacadas de la música clásica
europea y de la música universal. Entre ellas se encuentran los Conciertos de
Brandeburgo, El clave bien temperado, la Misa en si menor, la Pasión según san
Mateo, El arte de la fuga, Ofrenda musical, las Variaciones Goldberg, la Tocata y fuga
en re menor, varios ciclos de cantatas, el Concierto italiano, la Obertura francesa, las
Suites para violonchelo solo, las Sonatas y partitas para violín solo y las Suites para
orquesta.
Haendel: (Halle, Alemania, 1685 – Londres, 1759) fue un compositor alemán,
posteriormente nacionalizado británico, considerado una de las cumbres del Barroco y
uno de los más influyentes compositores de la música occidental y universal. En la
historia de la música, es el primer compositor moderno en haber adaptado y enfocado
su música para satisfacer los gustos y necesidades del público, en vez de los de la
nobleza y de los mecenas, como era habitual.
Considerado el sucesor y continuador de Henry Purcell, marcó toda una era en la
música inglesa siendo el compositor más importante entre Purcell y Elgar en Inglaterra.
Es el primer gran maestro de la música basada en la técnica de la homofonía y el más
grande dentro del ámbito de los géneros de la ópera seria italiana y el oratorio.
Su inmenso legado musical, síntesis de los estilos alemán, italiano, francés e inglés de
la primera mitad del siglo XVIII, incluye obras en prácticamente todos los géneros de su
época, donde 43 óperas como “Julio César en Egipto”, 26 oratorios como “El mesías” y
un legado coral son lo más sobresaliente e importante de su producción musical.
Domenico Scarlatti: (Nápoles, 1685 - Madrid, 1757) Compositor, clavecinista y
pedagogo italiano. Nacido el mismo año que J. S. Bach y G. F. Haendel, ocupa en la
historia de la música una posición intermedia entre el gran estilo contrapuntístico
barroco y el espíritu más sencillo y ligero del posterior período galante, del que se le
puede considerar precursor, sobre todo por sus más de quinientas sonatas para clave.
Hijo de Alessandro Scarlatti, los primeros pasos de Domenico en el mundo de la música
estuvieron guiados por el ejemplo de su progenitor; en este contexto cabe situar su
temprana dedicación a la ópera, género en el que su padre había conquistado una
merecida fama. En 1719 recaló en Lisboa, donde entró al servicio de la infanta María
Bárbara de Braganza como maestro de clave. El matrimonio de ésta en 1728 con el
príncipe heredero español Fernando llevó al compositor a Madrid, ciudad en la cual
permaneció hasta su muerte, dedicado preferentemente a la docencia (entre sus
discípulos se cuenta Antonio Soler) y a la composición de sonatas para clave y música
sacra.
Pierre Beauchamp: (París, 30 de octubre de 1631 — París, febrero de 1705), fue un
coreógrafo y bailarín francés, probablemente el inventor de la notación Beauchamp-
Feuillet. Fue nombrado director de la «Académie Royale de Danse» en 1671 (aunque
no era un miembro fundador de la Academia como con frecuencia se afirma). Fue el
coreógrafo principal de la compañía de Molière (la «Troupe du Roy») durante 1664-73;
además fue maestro de ballet en la «Académie Royale de Musique» y «Compositeur
des Ballets du Roi». En estos puestos fue muy influyente y una de las más grandes
figuras de la «belle danse» francesa del siglo XVII, la danza barroca.
A la muerte de Lully (1687), trabajó esencialmente para los colegios de los Jesuitas.
Formó a numerosos bailarines, como Blondy, Favier y Pécour, y puso a punto un
sistema de escritura de la danza que su discípulo Feuillet publicará bajo su propio
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